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Sélection des meilleurs films d’horreur à 4H20 du matin.

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Halloween approche et la tradition la plus sacrée chez nos amis anglo-saxons c’est de regarder des films d’horreur en dégustant des poignées de bonbons. Évidemment c’est l’occasion parfaite pour associer Munchies, blunts à la citrouille et votre passion canapé.

Voici une petite sélection de films aux thèmes horrifiques du moins effrayants au plus terrifiant pour que vous puissiez éviter tout risque de Bad Trip.

Hotel Transylvania.
Taux d’effroi: 1/10
C’est mignon, c’est drôle et c’est rempli de monstres tous plus attachants les uns que les autres. Le film qui raconte les aventures de Dracula (doublé par Adam Sandler) dans son hôtel interdit aux humains. C’est le plus doux des films d’Halloween, mais il n’en reste pas moins indispensable vu qu’il est réalisé par le créateur de Samurai Jack et des Super Nanas. C’est donc de l’animation de très haut niveau et c’est pour toute la famille.

Cabin In The Woods.
Taux d’effroi: 3/10
Ce film n’est pas un film d’horreur. Rien d’étonnant quand on sait qu’il est le résultat d’une idée de Joss Whedon qui l’a écrit et produit. Joss Whedon c’est le créateur de Buffy contre les vampires et le réalisateur du premier Avengers. Dans ce film qui paraît tout d’abord très cliché, on suit une bande de jeunes qui vont en week-end dans un chalet menacé par des forces maléfiques. Sans vous spoiler tout le film je peux vous dire que la suite est aussi surprenante et divertissante que le début est cliché. C’est le plus gros twist cinématographique des années 2000.Le film comporte même un personnage de Stoner bien plus intelligent et débrouillard que prévu (qui est forcément c’est mon personnage préféré).

 

Jason X.
Taux d’effroi:  5/10
Ce film est l’exemple parfait du film “trop mauvais pour ne pas être génial”.  Il suit Jason notre tueur implacable et presque indestructible (qui rappelons-le s’est plus tard battu à armes égales avec Freddy Kruger) alors qu’il est envoyé dans l’espace et… soigné pour être encore plus puissant. C’est absurde, gore et tellement jouissif. Et si le vrai esprit d’Halloween était la violence gratuite ?

Hellraiser II.
Taux d’effroi: 7/10
Hellraiser 2 c’est un film qui marque un tournant dans l’histoire du film d’horreur, un des derniers blockbusters à venir d’un univers indépendant et subversif. C’est un film rempli de Cenobites (des démons à la chair déformée) dans des batailles épiques contre des humains bien trop faillibles. C’est aussi le dernier de la série à bénéficier de l’expertise de Clive Barker, l’auteur à l’origine de cet univers Judéo-Bdsm, ce qui lui donne une saveur bien plus piquante. Le remake de Disney+ (avec Pinehead en Disney Princess, WTF?.) est très réussi.

Rec. Taux d’effroi: 8/10
Rec c’est l’enfant terrible du projet Blair witch et des films de Zombies de Romero. L’occasion de suivre à la première personne les aventures d’une équipe de télévision dans un immeuble assailli par des forces obscures. Contrairement à Blair witch il y a une vraie montée en puissance et contrairement à paranormal activity les acteurs savent vraiment jouer. C’est donc, à mon sens, le meilleur film d’horreur de sa catégorie.

Ring (la version japonaise)
C’est le seul film de cette liste qui m’a vraiment secoué. Regarder Ring et en plus high c’est une expérience à réserver aux plus courageux. C’est un conte horrifique japonais basé sur plusieurs histoires vraies de morts subites et inexpliquées. Attention si vous décidez de regarder le film de la cassette hantée trois règles sont de mise : -La pièce doit être dans le noir -Vous devez regarder la version Japonaise (bien plus effrayante) -Vous n’avez pas le droit d’arrêter le film pour “faire une pause”. L’ambiance lors du tournage était tellement intense que 4 techniciens ont procédé à des exorcismes chez eux après sa fin. Êtes-vous prêt à relever le défi ?

 

Bill Murray: the stoner from the month of March

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Each month, our reporter Alexis presents to you an iconic figure relating to cannabis. For March, Bill Murray, a legend from the American cinema.

The quintessence of the quirky persona, always in the spotlight, Bill Murray has developed, in forty years of career, a genuine profile of the nervous yet peaceful person.He has elevated the notion of “coolness” to the level of art.
Portrait of an actor who, after his arrest for weed trafficking and after the false announcement about his death, remained faithful to his motto: “It just doesn’t matter”.

Ganja Buster
It’s at the Chicago O’Hare airport that the mischievous Bill Murray will encounter his first audience, carrying two big metal suitcases loaded with 5 kilos of weed.The young man is yet to go to Denver to start his medical studies.
Times being hard and weed being trendy, Bill thinks it is a good idea to combine entertainment and the resale of weed on his university campus. Hence, he presents himself at the boarding gate on the 21st of September 1970 with 10 pounds of Mexican sinsemilla. Precisely the day of his 20th birthday: could it have been any different? Is it due to his nervousness, the reminiscence of the consumption the night before or a detached sense of irony?

Whatever it was, in the waiting line, when a passenger – looking for a person to talk to – asks him what he can possibly be carrying in these heavy suitcases, Murray told him: “two bombs”. This buffoonery, definitely very Bill Murray, will not make the passenger laugh. On the contrary, he will inform the airport authorities. The buffoon, seeing that his joke has been misunderstood, decides to leave the waiting line as soon as possible to rush to the nearest storage holder where he will frantically try, without success, to store his two suitcases in a storage unit unfortunately too small for them. He is arrested, his suitcases are opened, and the aspiring intern finds himself behind locked up. “But I still had the time to swallow one if his clients’ checks” (the benefit of munchies?)This guy owes me his career and reputation”, will he say at a later stage, amusingly. As he had no judiciary history, he will miraculously only get 5 years of probation. His medical studies? He can forget about those.
Bill Murray decides to turn to a longtime friend who offers a flat share in New York: John Bellucci

From Hunter S Thompson to Wes Anderson
His encounter with the talented and stunning John Bellucci will facilitate, luckily enough, his entry on the small screen, His first appearance as a comedian will be on the “Saturday Night Live” (NBC), a renowned show across the Atlantic.
The success is instant. The audience cannot get enough of this clown’s appearances, disillusioned and dreamy, always on the verge of a loss of control. His career is launched.

His first success at the cinema is Caddyshack, in 1980, in which he plays the role of an employee at a golf club, very much initiated to the subtlety of the magic herb. Besides, he delivers an outstanding connoisseur analysis: “It is a hybrid between the Kentucky bluegrass and the sinsemilla from Northern California. What is surprising is that you can play 36 holes of golf while smoking all afternoon. Then, going back home on the evening, you can get a lot higher, kind of like adapting it.” Thanks for the advice, Bill.

Faithful to his convictions just like he is to his mentors, and actually not very specialised in character roles Murray will play the role of Hunter S. Thompson in 1981 (long before Johnny Depp), and as crazy as it can get, in “Where the Buffalo Roam”. In the fantastic “Broken Flowers” by Jim Jarmush in 2005, in a scene where he shares a big joint with his neighbour, we hear him say between two tokes: “This… this yeah, is just really good Satvia.”. This honest terseness, his trademark.

In Wes Anderson’s “The Life Aquatic” in 2005, he plays the role of officer Cousteau’s ersatz, without hiding his excessive love for weed. (Love which has been immortalised in the famous scene where he shares a joint with Owen Wilson, his son, with David Bowie’s “Life on Mars” playing in the background.).  So many different roles where he played a nice, easy-going ganja smoker, which will eventually give him the coveted award of … Stoner of the year 2005” during the Stony Awards, organised by the highly respected High Times Magazine. (The former awardee was Snoop Dogg, the next one will be Seth Rogen… Setting the bar high).

After that, there was Zombieland in 2009 where he will play his own role, with a slight bit of fiction (he finds himself recluse in his house in Beverly Hills, following a zombie attack).  During a quarter of an hour, he shares a bong-chicha with skunk with Woody Harrelson and Emma Stone. They then try to act a scene in Ghostbusters.

“Lessons learned from a famous man”.
The pitch; since a few years, many urban myths have been going on around Bill Murray. The actor-performer would have, for example, turned up at a party of about fifty students in Austin although he absolutely did not know them. He would have been there, first of all, to party, and then to lpay with a local band before playing the “roadie” by carrying amplifiers and drum-kits. After that, later in the night, he would have convinced the police which came because of night din, to let them be. It was successful. The three policemen on duty would have even danced for a bit… Murray’s twin effect.

In the same city, he would have been spotted in a pub where he had never been, and he would have been a bartender there in order to help the actual bartender. The (real) bartender would have told him that he needed to take care of his dog that was ill and therefore had to close the bar for a moment. Bill would have happily taken over behind the bar.

We would have also seen him enter a cabin that was already booked for a karaoke in Charlottesville (yes, a little bit like Lost in Translation) for the greater enjoyment of the four singers that were there.

In the State of New York, we would have also seen him turn up in the house of a couple that he hardly knew, yet he knew it was their wedding anniversary. He would have turned up in order to help them prepare the dinner, share it with them, and then do the dishes.

Of course, all of this is true.

Conclusion of a life around cannabis.
With regards to cannabis (and of its legalisation, for which he actively advocates),the actor says that he “still finds it ironic how the most dangerous aspect of weed is to be arrested in one’s possession of it”.

More honestly and politically, he claimed that “marijuana is the cause of a large number of imprisonment, for the crime of auto-medication. And it costs millions and billions of dollars to imprison people for this crime against themselves. People realise that the war against this particular drug is a failure (…), it is only creating an army of people (from the prison administration, NDLR) and of detainees”.

More precisely, “The fact that certain States enact laws in the favour of weed proves that the alleged danger of cannabis has been over-assessed. Psychologists recommend smoking instead of drinking if one needs to relax.”“I personally stay on the safe side. I do both. I don’t joke about these things: it’s a matter of rigour”.  Amen.

Alexis

 

Borat ne badine pas avec la beuh

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Sacha Baron Cohen ne rigole ni avec son image, ni avec la weed. L’acteur récompensé aux Golden-Globe attaque en justice une entreprise de cannabis américaine pour publicité mensongère. A l’origine de la plainte, un panneau d’autoroute sur lequel figure Borat, son personnage de journaliste Kazakh aux valeurs et compétences discutables. Le comique aurait-il perdu son sens de l’humour?

9 millions de dollars de dommages et intérêts… au minimum. L’addition est salée pour l’entreprise Solar Therapeutics qui est poursuivie par Sacha Baron Cohen pour violation du droit d’auteur, publicité mensongère et détournement de son droit de publicité. D’autant plus salée qu’il ne s’agit que d’un visuel planté sur le bord d’une autoroute Inter-States au Massachusetts.
Sur le panneau de la discorde, on peut voir Borat qui, deux pouces en l’air, lance son célèbre “it’s nice”, gimmick de son personnage de journaliste kazakh attardé envoyé en mission-reportage aux Etats-Unis.


L’action en justice ne manquera de surprendre les fans de l’acteur qui doit deux de ses plus grands rôle à la stoner culture. Ali-G, jeune brit’ de la banlieue bourgeoise pavillonnaire de Londres, rapper-wannabe à l’accent jamaïcain aussi improbable que sa dégaine et surtout grand consommateur de ganja, ressort comique d’une bonne partie des sketchs.

 

Dans le très bon “The Chicago 7” , c’est Abbie Hofmann, célèbre contestataire hippie, que Baron Cohen interprète en portant un message sommes toutes très libertaire et permissif au sujet de la weed.

L’acteur aurait-il eu une récente prise de conscience? Loin de là puisque ses avocats ont fait savoir dans un communiqué queM. Baron Cohen est né dans une famille juive orthodoxe; c’est un Juif Observateur et il est fier de son héritage culturel. Il ne souhaite pas être impliqué dans la controverse sur le cannabis au sein de la communauté juive orthodoxe, ni sur la question de savoir si le cannabis peut être utilisé selon les règles juives“.
Dans un autre communiqué publié conjointement, son agent précise “M. Baron Cohen n’a jamais consommé de cannabis de sa vie. Il ne participerait jamais à une campagne publicitaire pour le cannabis, pour quelque somme que ce soit“.
En 2019, la fortune personnelle de l’acteur était estimée à 245 millions de dollars. Cette année entre son rôle dans “The Chicago 7” et “Borat 2” Sacha Baron Cohen a empoché 82 millions de dollars.

De la weed pour les nominés aux Oscars

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Alors que le Festival de Cannes s’achève, Zeweed revient sur les Oscars 2019 et ses cadeaux VIP que la Croisette leur envie encore.

Comme chaque année, les nominés de cinq des plus prestigieuses catégories en lice ont reçu un package de cadeaux VIP. Offerts par l’agence Distinctive Assets, les fameux « swag bags » envoyés aux 25 élus contenaient, légalisation de la weed oblige, de stupéfiants goodies au cannabis. Et personne, pas même Glenn Close, ne s’en est plaint.

Des chocolats fourrés à l’indica ou à la sativa. Des crèmes hydratantes au THC, des scrubs au CBD, un abonnement d’un an au Coffee Shop le plus hype de Los Angeles… Il avait de quoi s’amuser dans les « Oscar swag bag »  offerts l ’agence Distinctive Assets . Spécialisée dans les relations publiques et le celebrity placement, Distinctive Assets avait déjà fait le buzz en 2018.
L’année dernière, le montant total des cadeaux offerts  (270.000 $) avait choqué plus d’un mangeur de pop-corn middle size.

« Il n’y a pas de mauvaise publicité »

S’ils ne sont pas directement financés par l’Académie des arts et des sciences du cinéma, les swag bags font partie intégrante du show depuis 2002.Et c’est tout bénef’ pour les Oscars qui se font un coup de promo à tarot zéro.
Parce que si Hollywood a depuis belle lurette fait sienne la maxime du poète irlandais défroqué, une certaine idée de la pondération s’est cette année invitée dans la généreuse tradition du swag bag. En effet, pour la 91ème cérémonie des Oscars, le montant de la pochette surprise n’excédera pas 105.000$. Question de décence.

Parmi les nominés gâtés: Spike Lee, Yorgos Lanthimos, Melissa McCarthy, Lady Gaga, Glenn Close, Olivia Wilde, Christian bale, Rami Malek, Bradley Cooper, Willem Dafoe, Viggo Mortensen, Rachel Weisz,  Mahershala Ali, Sam Rockwell, Richard E. Grant ou Sam Elliot.

Parmi les 53 cadeaux figurants dans la hotte du père oscars 2019, on retiendra :

  • Une bouteille d’absinthe A. Junod.
  • Un bong en forme de pomme, cadeau du MOTA , le cannabis social club branché de Los Angeles.
  • Un traitement anti-age au CBD de CBDRxSupreme.
  • Un coffret Coda Signature  de la marque éponyme. Capsules pour bains effervescentes au THC, truffes et berlingots au cacaotés dosés à 10 mg du même  THC, baumes au CBD, une plaquette de  chocolat au lait contenant 300 mg de tétrahydrocannabinol (réservé aux nominés expérimentés. Un euphémisme ?)
  • Un balai pour toilettes phosphorescent en forme d’émoji, par Mister Poop.
  • Une pompe à lait maternel ultra silencieuse et discrète signée  Elvie Pump.
  • Un portrait original ultra-réaliste et maxi-kitch de  l’atelier Reian Williams Fine Art.
  • 30.000$ de produits de beauté rajeunissant de célèbre Dr Konstantin Vasyukevich.
  • Toute une gamme de produits de beauté contenant du THC et/ou CBD, ainsi que d’autre principes actifs de la marijuana, par High Beauty. Aussi efficace qu’une tranche de  space-cake .

De très sympathiques prix de consolation qui, s’ils ne peuvent pas grand-chose contre les yeux rouges et gonflés, aideront en tous cas les nominés en question à sécher leurs larmes.

Ganja RP gonflée, mais efficace

Ce n’est pas vraiment un choc de découvrir que les marques qui distribuent des consommables contenant du THC et/ou du CBD comme d’autres dérivés cannabiques misent sur le  « celebrity product placement », particulièrement en Californie où plusieurs acteurs connus ont déjà lancé leur marque de weed sur le marché de la côte ouest. Ce qui est plus gonflé en revanche, c’est de distribuer à des personnalités aussi connues que variées un produit qui, il y a deux ans, vous faisait passer par la case commissariat.
Au risque de véhiculer un message qui aurait pu être mal perçu par les nominés comme par le public. Un pari gonflé donc, mais gagnant pour Distinctive Assets ainsi que  pour les marques Coda et High Beauty, fournisseurs de ces produits de rêve.
A ce jour ce jour, l’agence de relations publiques n accusé aucun retour à l’envoyeur.

 

Hugo se fait un film: Soleil Vert

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Chaque semaine, Zeweed vous propose de (re)découvrir une pépite du cinéma. Aujourd’hui, gros plan sur Soleil Vert (1974), le chef-d’oeuvre écolo-trash et dystopique de Richard Fleischer.

New York. 2022. Quarante millions d’habitants. On doit enjamber des corps, morts ou en passe de l’être, pour se déplacer dans la ville. Il fait chaud. Très chaud, et tout le temps. Le monde est plongé dans une canicule permanente, où stagnent dans l’air des particules fines vertes qui donnent au jour des lueurs vaseuses. La couleur verte, disparue de la face du globe avec toute forme de végétation, d’arbres comme de légumes, est devenue celle d’une petite galette carrée qui est la seule forme d’alimentation accessible au commun des mortels. Ce biscuit à base de plancton condensé s’appelle le Soleil Vert. Tel est le monde qu’envisageait pour nous le réalisateur Richard Fleischer en 1974.

Particules fines et canicule

Bien que tout ait changé, il y a toujours des bons et des méchants, des brigands et des policiers. L’assassinat de M. Simonson, d’un homme puissant ouvre l’enquête menée par Charlton Heston qui, une fois n’est pas coutume dans les années 70, incarne un policier désabusé, courageux, nommé Thorn, aussi subtil et viril qu’un taureau. Il partage son taudis d’appartement, où il faut pédaler sur un vélo pour avoir de l’électricité, avec Sol, un vieillard qui se remémore non sans larmes le monde d’avant, où on mangeait de la vraie nourriture et où on publiait livres et journaux par milliers.
De cette nostalgie, Thorn ne comprend rien et il s’en fout : il n’a rien connu d’autre et n’a donc rien à regretter.

Heston s’étonne

Chez Simonson, l’homme puissant assassiné, ce qui attire son attention et met à rude épreuve son flegme olympique, ce n’est pas le crâne ouvert du défunt, mais le confort matériel. L’eau courante, l’air conditionné, la vraie nourriture dans le frigo, le whisky, le savon et surtout, le mobilier. Mobilier, c’est bien le titre que portent les femmes dans Soleil Vert, réduites à des objets domestiques destinés à procurer du plaisir aux hommes. Celle-ci s’appelle Shirl et regarde le cadavre de son ex-propriétaire se faire emmener par la morgue, qui se déplace non pas en voiture funéraire, mais en camion poubelle. Ces éboueurs de la mort ramassent des milliers de corps chaque jour, mais où les amènent-ils ? Que deviennent-ils ? Pourquoi la morgue distribue, en échange d’un cadavre, un jeton d’une valeur de 200$ ? C’est le grand mystère qui plane dans cette société dystopique, et autour de l’enquête de notre brave Thorn.

 

Cannibalisme en galette

Quand il aura compris pourquoi Simonson a été tué, après plusieurs duels western contre des suppôts du gouvernement, envoyés pour étouffer l’affaire, Thorn aura compris l’immonde et prévisible vérité. Il aura compris pourquoi la mort est encouragée au point qu’existe le Foyer, un mouroir ultramoderne où le pauvre et vieux Sol décide de mettre fin à ses jours et où on propose à chaque futur cadavre vingt minutes de bonheur. Alors que Sol sirote son dernier whisky face à des images de la nature jadis foisonnante, sur une musique classique à fond la caisse, Charlton Heston, arrivé trop tard pour empêcher cette euthanasie, découvre ces images, exactement comme il découvre la Statut de la Liberté à la fin de La Planète des singes : mais qu’avons-nous fait ?

Crépuscule vert

Nous sommes en 2021, et la même question se pose : qu’avons-nous fait ? Apparemment, on s’en est un peu mieux sorti que ce qu’envisageait Richard Fleischer. Pourtant, nous ne sommes pas plus respectueux de la nature que les humains de Soleil Vert. Peut-être rattraperons-nous leur destin asphyxié, mais alors qu’est-ce qui fait que nous nous y dirigeons plus lentement ? La porte de sortie du 2022 annoncé par ce film, c’est une erreur fondamentale dans sa vision de l’avenir.
Je l’ai dit plus haut, les femmes dans Soleil Vert sont réduites au rôle de mobilier.

L’objectification de leur corps aurait donc fini de les asservir au désir des hommes, au point où elles acceptent leur statut de meuble sexué sans sourciller. Le fait que le scénario ait tout faux dans ce pessimisme misogyne est une raison suffisante pour avoir de l’espoir à l’égard de notre espèce. Certes, nous épuisons toutes les ressources de la Terre, quitte à survivre dans d’effroyables conditions.
La sentence accablante de Soleil Vert ne s’applique en fait qu’à une certaine idée de la condition masculine, celle dont Charlton Heston est l’ambassadeur. Ce n’est pas grâce à des types comme lui que les femmes ont échappé à une vie domestiquée. C’est probablement grâce à leurs propres combats, à leur propre conscience, à leurs propres efforts, bref, à tout ce que ce film omet d’intégrer à son récit, que les femmes ont fait du monde un endroit pas aussi sale que celui de Soleil vert.

Hugo se fait un film: mother!

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Chaque semaine, je vous propose de (re)découvrir une pépite du cinéma. Alors que la fête des mères approche, c’est le mother! de Daren Aronofsky que j’ai choisi de mettre à l’honneur.

Dès le titre, mother!, septième long-métrage de Darren Aronofsky (Requiem for a dream, Black Swan) laisse présager l’importance des signes. Pas de majuscule au début et un signe de ponctuation : les débuts et fins ne sont pas toujours ce qu’on attend. C’est bien de commencement et d’achèvement qu’il s’agit dans ce huis-clos confinant dans une belle maison perdue en campagne le couple a priori irrésistible que forment Jennifer Lawrence et Javier Bardem. De ses mains aimantes et juvéniles, elle a rebâti pièce par pièce, recoin par recoin le foyer familial qu’un incendie lui a arraché. Aucun d’eux n’a de nom, à l’instar des autres personnages qui viennent envahir peu à peu ce nid d’amour encerclé par une forêt tout aussi anonyme. D’entrée de jeu, nous sommes sans repères, et un peu inquiets, comme les premiers mots de la protagoniste. Apeurée de se trouver seul dans son lit au réveil, elle appelle sans conviction son homme : Baby? A l’image d’une bonne partie des plans du film collent à son buste et tournoient avec lui dans la maison, nous allons accompagner cette femme, qui dit à un moment essayer de construire le paradis, dans l’incompréhension.

Sortant comme par magie des bois épais, un homme, disant être médecin, fait irruption. Méprenant la demeure pour un gîte, il y entre, y fume, y boit, y vomit, et accapare l’attention de l’écrivain en manque de reconnaissance que campe Javier Bardem. Ce dernier révèle au docteur le secret de son inspiration : un mystique cristal, trouvé dans les cendres de sa maison d’enfance. Bon Hollywoodien qu’il est, le réalisateur nous tient la main : son film, c’est une histoire de symboles. Pour mieux perturber le calme que la maîtresse de maison peinera tout le film durant à établir, la femme du docteur fait son entrée. Sulfureuse, elle serpente dans la maison, s’aventure et brise par accident le cristal défendu. Suivent ses deux fils qui, à peine arrivés, se battent jusqu’à la mort, à la mode de Cain et Abel. Voilà pour la genèse du film.

Du sang, mother! en prodiguera autant que le Premier Testament.
Spoiler alerte: plein de gens aux allures de zombies meurent, et ça gicle dans tous les sens, Aronofksy ne se refusant pas le potentiel agitateur d’un bon vieux film d’horreur. Quel rôle attribuer à la protagoniste dans cette allégorie diabolique ? Sa condition de mère au foyer paraît inéluctable au point qu’elle entend battre son coeur dans les murs de la maison : elle est la mère-foyer. Elle peint, elle récure, elle fait le manger, tout ça pour que son mari puisse faire son art.
En panne d’inspiration, il lui fait un gosse à la place, et surprise et ça fait bander sa plume. Alors que le ventre de l’une grossit et que le texte de l’autre attire nombre d’admirateurs s’avérant des fanatiques vandales, les dialogues affublent les deux personnages de qualificatifs équivoques. Ceux qu’on peut désormais appeler « l’artiste » face à sa déesse vont se disputer le bébé. L’artiste veut montrer le fruit de sa semence divine, de sa pénétration de l’Inspiration à la foule en délire d’adoration-défonçage de maison, la déesse veut l’en protéger. Je ne voudrais pas gâcher la suite, mais disons qu’avec ce père aussi abstrait et adulé que l’idée de Dieu et cette mère aussi réelle et persécutée que Santa Maria, leur enfant est promis à un avenir… Aussi brûlant, violent et angoissant que celui de l’humanité et de la planète qui, envers et contre tout, l’abrite.

Aux quatre coins de l’écran comme aux quatre coins du globe, la tension et la chaleur monte à mesure que passe le temps. User de symboles permet d’aller plus vite, de se débarrasser des démonstrations et descriptions laborieuses (comme celles des climatologues qui peinent à se faire entendre). Dans l’accéléré d’histoire de l’humanité qu’est mother!, tout finit en flammes, tout est sacrifié. Tout, sauf le Poète, figure totalisante de la création. Qu’elle soit divine ou artistique, cette création ne peut exister sans la mère Nature, qui nourrit autant qu’elle inspire, inlassablement, du début à la fin, et dans un éternel recommencement. Le créateur est sauvé de l’apocalypse qu’ont amenée les pulsions de ses disciples.

 

On pourrait croire que la métaphore biblique est filée jusqu’au bout, car dans ici aussi, c’est l’amour qui sauve. L’amour infini, l’amour pénitence, l’amour sans retour de nos mamans et du Christ. Mais, Dieu merci, ce film n’est pas évangéliste. Là où la Bible sélectionne ceux qui échappent à l’apocalypse en les menant vers d’autres cieux, à la manière des transhumanistes de la Silicon Valley en passe de devenir des agences de voyage vers Mars, Aronofsky et sa chère mother! ancrent cet amour résilient, moteur de l’espoir de vie, en la mère-foyer.

Avec le dernier cri déchirant de cette dernière, le film se clôt pour nous rappeler la souffrance que nous, humains, lui avons causé et lui causerons encore.
Précieux joyau pour les amateurs de symbolisme, mother! dépasse de loin la douteuse catégorie « thriller psychologique d’horreur » où on le loge trop souvent. Hommage funèbre et furieux à une Terre Mère qui se meure pour nous permettre d’être, sinon des animaux, des poètes, le film d’Aronofsky est, comme les plus belles déclarations d’amour, une longue et délicieuse douleur.

Calmos, French macho manifeste

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Sorti en 1974, “Calmos”,  de Bertrand Blier est un monument du cinéma français que j’ai visionné dans les meilleurs conditions:  projeté sur un drap blanc. Car c’est bien d’une affaire de draps dont il s’agit. De draps froissés par les ébats charnels évidement -dans ce film du réalisateur “Des Valseuses”-, mais aussi des beaux draps dans lesquels se sont mis les hommes, pour avoir trop tiré la couverture à eux. Calmos, c’est le dernier rugissement du mâle franchouillard et misogyne, le chant du signe des machos moustachus en charentaises et l’avènement karmique du beau sexe décomplexé.

Le film raconte l’amitié de Jean-Pierre Marielle et Jean Rochefort, deux hommes qui auront passé leurs vies au service du sexe fin, dans leurs professions (respectivement gynécologue et maquereau) comme dans leurs vies intimes. À bout de forces comme de nerfs, ils s’échappent ensemble à la poursuite d’un idéal : une vie paisible entre hommes, faite de pinard, de tabac et de gourmandises.

Ils construisent ainsi leur Eden dans une jolie maison de campagne, et règlent leurs journée autour de leurs repas, tous plus gourmands et alcoolisés les uns que les autres.
Ils font vite la rencontre du Curé local (Bernard Blier) qui partage avec eux leur appétit gargantuesque, leur aversion des femmes et leur profonde nymphomanie.

Mais elles n’ont pas dit leur dernier mot, ces mangeuses d’hommes et les ramènent par la peau des fesses à Paris, impatientes de les asservir à leur plaisir. Une fois encore, nos deux amis tentent le tout pour le tout et s’évadent en une échappée belle dont les rangs seront vite grossis de tous les hommes qui auront entendu l’appel de la liberté. Mais la femme est un loup pour l’homme et méticuleuses, elles sont immédiatement organisées et efficaces, la révolte est écrasée avec une facilité déconcertante et les hommes mis en esclavage sexuel.

Marielle et Rochefort n’y échappent pas et sont chimiquement transformés en machine à bander au service de la sexualité des milliers de libidos féminines qui viennent s’asseoir sur leur virilité, à raison de trois minutes chacune.
Nous les retrouvons quelques décennies plus tard, dans la suite d’un film qui devient complètement surréaliste, évadés une fois encore, en cavale, jusqu’à ce qu’ils tombent dans une grotte humide et rose…

Je pose mon verre de calva gourmand, reprenant mon souffle, je viens d’achever un voyage onirique et réjouissant au cœur de nos appétits charnels et de leur diktat sur nos vies, je vais reprendre un peu de pâté.
Aujourd’hui tout le monde a son combat, tout le monde a quelque chose à dire, on s’insurge, on dénonce, on se résigne, mais on ne rit plus beaucoup. Un film comme Calmos ne pourrait probablement pas passer entre les filets de la morale de l’humour.
Nous sommes devenus trop sérieux et avons peut-être perdu, en voulant ne froisser personne, la capacité de rire de nous-mêmes. Pourtant, elles existent ces révolutions joyeuses, elles sont la fête, la danse, la musique, la peinture, le cinéma, le théâtre, tous les arts et plus encore, mais elles ne sont pas sans humour. Elles sont des révolutions intimes et profondes, qui sont des célébrations de la vie, ces quelques minutes où nous rions de nos propres petitesses.

Si le monde est au bord de la crise de nerfs, faisons l’humour pas la guerre et devant les crises à venir rappelons-nous les mots de Mel Brooks « La tragédie c’est lorsqu’on se coupe le doigt. La comédie c’est quand on tombe dans une bouche d’égout ouverte et que l’on meurt ».

Et si Woody Allen avait vu juste?

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En 1973, Woody Allen réalisait “Sleepers” (Woody et les robots en VF), soit une comédie grand-guignolesque oui, mais avec quelques idées très en avance sur son temps… et le nôtre. 

Miles Monroe (Woody Allen) se réveille en l’an de grâce 2173,  après avoir été congelé pendant deux siècles. Déglacé par des scientifiques entrés en résistance de l’ordre établi, cet hibernatus New-Yorkais va rapidement rallier, bon gré mal-gré, leur mouvement révolutionnaire. Inconnu et jamais fiché dans cette société faussement utopique, Miles Monroe aura pour mission d’ infiltrer le projet “Aires”, abominable initiative élaborée par un gouvernement totalitaire aux allures de régime Nazi 2.0.

 

Parodiant largement les théories du 1984 d’Orwell et le 2001 de Kubrick (Woody aura entre autre à faire à une machine en tout points semblables à HAL, l’ordinateur fou de l’Odyssée de l’Espace), le plus célèbre des névrosés de la grosse pomme s’en donne à cœur joie en jouant à l’hypocondriaque flippé à l’idée de devoir régler 200 ans de loyer en retard. Autre sujet d’inquiétude méthaphysique: le décongelé constate qu’il n’a pas eu de relation sexuelle depuis 204 ans (en comptant ses 4 années de mariage avec son ex-femme).

Le film est aussi un bel hommage au muet, particulièrement à Chaplin et aux Marx Brothers que Allen adule. Diane Keaton y est absolument éblouissante de beauté, dans un rôle tout aussi déluré que celui de son ancien partenaire de scène et de coeur.

Au delà de la comédie-pantalonade et ses courses poursuites à la Benny Hill, Woody et les Robots regorge d’idées que l’on rêverait de pouvoir caresser un jour . A commencer par “The Orb”, une boule qui défonce quand on la tripote.
Un outil de plaisir rêvé en ces temps au contact défendu et un engin idéal pour décoller sans fumée.

On croisera aussi dans cet ovni cinématographique des voitures électriques, des carottes géantes génétiquement modifiées ainsi qu’une mémorable séquence sur le clonage. Il s’agira pour Woody et Diane Keaton de cloner le président défunt… à partir du seul membre retrouvé après la disparition du dirigeant: son nez. Soit deux décennies avant la première tentative de clonage (le mouton dolly au Royaume-Uni ).

Last but not least:  l’orgasmatron, ou comment pratiquer du safe sex en quelque secondes.

Sacré Woody!

Festival Arcadia: “L’ampleur de toutes choses” en projection virtuelle ce soir.

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Cette année, le festival Aracadia aura lieu vraiment tout près de chez vous puisque c’est dans votre salon que se seront diffusés les documentaires de cette 10ème édition de l’Environemental Film Festival, qui met à l’honneur les meilleurs reportages en faveur d’un monde vert, juste et durable.

Ce soir, c’est l’excellent “L’ampleur de toutes choses” qui est nous est proposé en séance virtuelle par Arcadia.
Synopsis: Lorsque Jennifer Abbott perd sa sœur, décédée d’un cancer, son chagrin la rend sensible à l’extrême gravité de la crise climatique. Dans son nouveau documentaire, L’ampleur de toutes choses, elle esquisse des parallèles intimes entre les deuils vécus à l’échelle personnelle aussi bien que planétaire. Aux récits des manifestations du changement climatique observées en première ligne s’amalgament les souvenirs d’enfance qu’évoque pour la cinéaste la région de la baie Georgienne, en Ontario. Qu’ont en commun ces histoires ? Eh bien, tout, étonnamment.

 

Pour celles et ceux que l’on présente à l’écran, le changement climatique n’appartient pas à un futur lointain : il est à leur porte. Les combats livrés, les pertes douloureuses et les témoignages poignants se croisent dans une trame extraordinaire tissée d’émotions brutes et de beautés fulgurantes transformant l’obscurité en lumière et le chagrin en action.

🎫 Pour réserver vos places :
1. Rendez-vous sur www.aff.eco/le-festival-2021 pour découvrir la programmation
2. Sélectionnez le ou les films qui vous intéressent et soutenez votre cinéma local en trouvant la séance la plus proche de chez vous sur www.25eheure.com
3. Achetez votre place (6€) directement sur le site, l’e-mail de confirmation contient le lien de la projection

Bonne séance!

La grosse question de Mike: Mais au fait, quelle est la couleur de la folie?

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Quelle est la couleur de la folie ?
C’est la question que posent Nicolas Cage et H.P. Lovecraft dans l’atmosphérique ”Colour out of Space’‘, notre coup de coeur et dernier chef d’œuvre de Richard Stanley, le plus sulfureux des réalisateurs d’avant-garde.
Un film aussi trippant que profondément poétique, disponible sur Amazon Prime.

Vous vous demandez peut-être pourquoi, dans un magazine consacré au chanvre et à l’écologie, nous vous parlons d’un film de science-fiction.
Il y a en fait un paquet de raisons à cela. Nous nous arrêterons à 5 essentielles :

L’origine : Tout d’abord, ce film est un must, parce qu’il est basé sur une nouvelle de Lovecraft (le maître incontesté du fantastique) publiée en 1927. Un auteur qui est très rarement adapté avec autant de subtilité et dont l’horreur cosmique est particulièrement difficile à transcrire à l’écran (sauf sous format parodique comme dans South Park ou de manière Super héroïque comme dans Hellboy).
Le film raconte la contamination progressive d’une famille et de ses terres par une présence extraterrestre tombée du ciel.
Tout comme dans le texte original, on suit la lente descente en enfer de cette famille qui lutte contre l’influence pernicieuse d’une couleur qui les dépasse.

Le casting : Avec Nicolas Cage au casting, un film ne peut jamais être complètement inintéressant. L’acteur livre étonnamment ici une de ses prestations les plus mesurées. C’est un père raté qui élève des lamas, tout en essayant de gérer sa famille. Une situation tendue qui devient vite intenable… un rôle parfait pour cet acteur écorché vif dont les réaction rationnelles et mesurées dans la première partie du film ne sont finalement que des lampées de gasoil sur le brasier du final explosif.

Le réalisateur : Richard Stanley est un de ces très rares fous furieux qui parviennent à se faire confier des gros budgets pour des projets aussi ambitieux qu’étranges.
Il signe ici son premier film depuis le légendaire L’île du Docteur Moreau, un long métrage ruiné par un Marlon Brando tyrannique et bouffi, une production intrusive et de nombreuses intempéries.
Désabusé par la production et par l’attitude du Parrain, le réalisateur s’est enfui dans la jungle pour ne plus revenir… Pendant 25 ans.
Jusqu’à l’intervention de Saint Nicolas Cage qui connaissait l’amour du réalisateur pour le travail de Lovecraft.
De retour derrière la caméra avec cette perle noire, il livre ici son projet le plus personnel. Un opus qui devait être le premier d’une trilogie et qui a été applaudi par la critique… Mais qui n’a pour l’instant ramené qu’un septième de son budget.
Le génie, ça ne paye décidément pas.

Le sous-texte écologique : Le film est une dénonciation assez judicieuse du Fracking, un concept “cher” à Joe Biden, autrement dit la fracturation hydraulique des couches géologiques pour récupérer des gaz naturels.
La contamination de son environnement par la créature est tout de même très similaire à celle causée par la destruction des nappes phréatiques.
Dans les deux cas, c’est d’abord la nature qui dépérit, puis les animaux et enfin les humains.

Tommy Chong : le plus grand comédien Stoner de l’histoire joue un voisin de la famille de Nicolas Cage, un Ermite aussi sage qu’il est mystérieux. Un rôle parfait pour l’homme qui est connu pour ses histoires fumeuses et qu’on a jamais vu jouer dans une prestation aussi inquiétante. Sans rien divulguer, c’est lui qui permet au spectateur de comprendre la profondeur du gouffre dans lequel les personnages sont en train de s’enfoncer.
Une prestation magistrale de vieux hippie désabusé, prophète malgré lui.