Cinema

Tommy Chong: l’interview weed & wisdom

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A 84 ans, Tommy Chong est sans nul doute le plus célèbre des activistes de l’herbe. De ses débuts en tant que musicien dans un strip-club au statut de star du box-office en passant par la case prison avant un come-back salué, le parcours du plus fumé des canadiens force le respect. Après un demi siècle de militantisme, Tommy Chong peut enfin rouler un doobie en paix : en Californie, où il réside, son combat pour la légalisation du cannabis est gagné. Zeweed l’a rencontré pour discuter spiritualité, religion, santé et ganja.

Quand on décroche une interview avec Tommy Chong, on s’attend à parler de beaucoup de choses, mais pas forcément de Dieu et de l’existence éternelle.
Tout commencé avec une question simple portant sur sa bataille contre les deux cancers qui l’ont atteint et des effets bénéfiques du cannabis sur sa santé.

Cheech et Chong, ancêtres made in USA des frères pétard

« J’ai ma propre théorie sur l’herbe. Soit l’observation d’un profane, oui, mais aussi celle d’un connaisseur» me glisse Tommy de façon complice.
« Notre système immunitaire est la clé de toute guérison. Et notre système immunitaire ne peut pas fonctionner correctement quand il est en alerte constante. C’est pourquoi le repos est si important et pourquoi , quand nous sommes malade, l’approche de la médecine conventionnelle consiste à nous isoler sur un lit d’hôpital, loin de tous stress ou distractions négatives.

“L’herbe m’a permis de vaincre mon cancer”

Ce que Tommy appelle « l’observation d’un profane » est en fait un postulat médical avéré.
Lorsque nous sommes stressés, notre corps devient plus sensible aux infections et aux maladies. C’est parce que l’hormone du stress -le cortisol- déclenche en nous une réaction ancestrale de lutte ou de fuite, et diminue par incidence le nombre de lymphocytes (ou globules blancs NDLR) dans notre sang. En conséquence, notre corps devient moins efficace pour lutter contre les agressions extérieures.
Ce que fait le cannabis, c’est de vous placer dans un état de repos. Dès lors, votre système immunitaire, qui n’est pas solicité pour lutter contre des agressions exogènes, peut se concentrer sur le corps et assurer son fonctionnement harmonieux. » poursuit Tommy.
Mais la vraie guérison n’est pas physique : le remède ultime est le remède spirituel. Je suis persuadé que l’herbe m’a permis de vaincre mon cancer“.

“Et mon contact avec Dieu a permis à mon corps d’y croire”

Pour Tommy Chong, le remède spirituel réside dans une connexion profonde et personnelle avec Dieu.
Je sais que Dieu m’aime. Et quand les gens me demandent comment je le sais, je leur dis « avez-vous vu ma femme ?” s’amuse  l’humoriste (marié à la sublime Shelby Chong) en accompagnant sa blague d’un rire aussi profond que guttural.
“Quand vous avez ce lien étroit avec Dieu, vous pouvez tout conquérir», me dit-il alors qu’il a repris un ton sérieux. “Et mon contact avec Dieu a permis à mon corps d’y croire“.

Tommy s’arrête un instant, repensant à son enfance sans le sous et cette petite bicoque au fin de l’Alberta, au Canada, dans laquelle il a passé son enfance et adolescence.
« C’était la maison la moins chère, la seule que mon père pouvait nous offrir. Il l’a acheté sur un coup de chance pour quelque chose comme 500 dollars. »

Tommy Chong: toujours bien équipé pour arriver au 7ème ciel

Aujourd’hui, Tommy prend mon appel depuis son domicile niché sur les hauteurs de Pacific Palisades, un des plus beaux quartiers ne à Los Angeles, entre Malibu et Santa-Monica.
Il y a quelques jours, la maison d’un de ses voisins a été vendu pour 50 millions de dollars. « Je n’en revient pas d’habiter dans un endroit où une maison coûte littéralement 10 000 fois plus cher que celle où j’ai grandi. Même si fondamentalement, je m’en fout. Ma femme et ma famille s’occupent de tout cela. Moi, je suis juste assis ici et je reste en contact avec Dieu » s’amuse Chong en souriant paisiblement.

“Je n’en revient pas d’habiter dans un endroit où une maison coûte littéralement 10 000 fois plus cher que celle où j’ai grandi. Même si fondamentalement, je m’en fout”

Pour lui, se connecter avec Dieu, ou son « higher power » (sic) comme il l’appelle parfois, est une pratique simple : «Nous sommes tous de Dieu. Toi, moi, le monde entier. Tout le monde. Les bons, les mauvais, chaque créature vivant sur terre. Nous sommes tous des êtres éternels, que vous vouliez le croire ou non».
L’autre moitié du célèbre duo Cheech et Chong se souvient avoir lu récemment un journal que chaque goutte d’eau qui était sur terre au commencement est toujours là aujourd’hui, sous une forme ou une autre.

“Nous sommes constituées à 90% d’eau”. Chez Tommy Chong, les 10% restant sont d’origine végétale.

En tant qu’humains, nous sommes constitués à 90 % d’eau. Il est donc scientifiquement prouvé que 90% de nos particules ont toujours été ici, sous une forme ou une autre. Alors pourquoi pas les 10 % restants ?  Nous sommes des êtres éternels. Rien ne disparaît. Nous réapparaissons simplement sous une autre forme. C’est aussi un karma physique“.
En tant qu’êtres éternels, Tommy croit que nous existons dans deux mondes : un qui est physique et un qui est spirituel.
Dans le monde physique, il y a un conflit constant. Il y a des contraires. Dans le monde physique, vous ne pouvez pas avoir de haut sans bas, vous ne pouvez pas avoir de justes sans injustes, vous ne pouvez pas avoir Joe Biden sans Donald Trump“.

Et tout comme il y a la possibilité de faire le bien, ou de « rester sur la bonne voie » comme le dit Tommy, il y a aussi la possibilité de faire le mal.
Dans l’histoire de notre existence, nous avons vu à quel point la vie peut être brutale » se souvient-il en évoquant son incarcération.  “Mais seulement jusqu’à un certain point, puis vous partez, vous entrez dans le monde spirituel. Et dans le monde spirituel, il n’y a rien d’autre que l’amour“.

“Je veux croire que le bien a toujours un léger coup d’avance sur le mal. Sinon, on est mal barrés.”

Notre passage dans ce monde physique est selon Tommy une opportunité de grandir, de s’élever. Il compare cela à l’école ; profitez-en pour faire le bien et vous vous élèverez. Choisissez le contraire, et vous régresserez.

En tant qu’êtres humains, nous avons un devoir : celui de s’entre-entraider. Parce que nous venons tous de quelque chose, d’une trame universelle. Non, nous n’apparaissons pas par magie, même si l’Église catholique voudrait nous faire croire qu’il existe une conception immaculée !“. Tommy laisse échapper un grand rire chaleureux.
« Lorsque vous entrez dans le monde physique, vous devez être physique, et c’est ce que nous faisons. Et il doit y avoir des contraires, donc il y aura toujours des opposants et des opposants. Et si vous regardez les pourcentages, ils sont quasiment égaux. Je veux croire que le bien a toujours un léger coup d’avance sur le mal. Tout du moins est-ce ma façon de voir les choses. Sinon…on est mal barrés“.

Dune, le chef d’oeuvre jamais tourné de Jodorowsky

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Bien avant l’adaptation de David Lynch puis de Denis Villeneuve, Dune avait été transposé pour le grand écran par Alejandro Jodorowsky. Si le film n’est jamais sorti, il a acquis un statut culte grâce à un scripte qui sert encore de référence dans le cinéma de science-fiction.

En 1973, le réalisateur franco-chilien Alejandro Jodorowsky, dont le nom circule dans monde de l’art contemporain et de la bande dessinée, décide d’adapter Dune, la saga culte de Frank Herbert.
Edité en 1965, Dune est un des textes les plus puissants de sa génération. Une profondeur que l’on doit à sa capacité de détailler un univers Sci-Fi inédit et franchement barré, à la dimension post-apocalyptique.

Entre tragédie grecque, SF et expérimentation visuelle.

L’œuvre parfaite pour Jodorowsky, au carrefour de la tragédie grecque, de la science-fiction et de l’expérimentation visuelle.
Avec ce film, “Jodo” veut faire vivre une expérience unique et psychédélique, inspirée par l’imagerie hippie tout autant que par leurs consommations presque sacrées de stupéfiants.

C’est d’ailleurs la raison pour laquelle il a choisi Dune. Le “Spice”, substance mystérieuse qui permet les voyages intersidéraux, lui évoque son LSD chéri et les conflits qui l’entourent: c’est la War On Drugs des terriens. Une période de répression qui est d’ailleurs à son apogée dans les années 70.
S’il peut envisager de monter ce projet titanesque, c’est parce qu’il jouit d’une renommée internationale grâce à son dernier film La montagne sacrée, un rêve fiévreux notamment produit par un autre amateur de Cannabis : John Lennon. Un grand fan de son travail, qui l’a découvert grâce à la fameuse Yoko Ono (qui était une artiste renommée avant d’être accusée à tort d’avoir brisé les Beatles).

Salvador Dali, Mick Jagger et Orson Welles au casting

De passage à Paris, il recrute le dessinateur Mœbius au story-board, l’artiste suisse H.R. Giger – le futur concepteur de l’esthétique bio mécanique d’Alien – pour concevoir des décors et deux des grands groupes de rock pour la bande originale : Pink Floyd et Magma.
C’est là que le bât blesse. L’artiste est trop ambitieux, il veut faire un film de quatre heures avec David Carradine, Salvador Dali, Mick Jagger et Orson Welles au casting.
Il fait concevoir des vaisseaux géants, des décors grandioses et des créatures qui coûteraient des fortunes à construire.

Pendant les 4 ans de préparation, le réalisateur peine à convaincre les studios d’investir des dizaines millions de dollars.
En outre, en dépit de relations très amicales entre Herbert et lui, il n’a jamais été question d’adapter l’œuvre fidèlement mais — et je cite —  de “la violer avec amour”.

Moebius et H.R. Giger au story-board

Si le film ne se fera jamais, il n’en restera pas moins un élément fondateur dans le paysage cinématographique contemporain grâce à un gigantesque livre regroupant les story-boards et autres fantastiques études.
Parmi les œuvres qui lui doivent beaucoup; Star Wars, Blade Runner et… le Dune de David Lynch.
Une adaptation bien moins folle, mais qui a le mérite d’avoir participé à faire connaître Lynch du grand public.
Un documentaire intitulé Jodorowsky’s Dune est sorti en 2016 et une nouvelle adaptation (beaucoup plus proche de la vision du maître), réalisée par Denis Villeneuve est prête pour la réouverture des salles.

 

“One Love” l’ultime Marley-biopic ?

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Sorti en salle mercredi 14 février, le biopic sur Bob Marley One Love s’est immédiatement hissé en tête du Box-Office français, avec plus de 200 000 entrées en 48h. Pour ZEWEED, Olivier Cachin nous dit tout le bien qu’il pense du long-métrage consacré au King of reggae.

C’est la saison des biopics musique : Elvis, Priscilla, Marilyn et bientôt Amy, Maria (Callas), Charles (Aznavour), Bob (Dylan) et même Linda (Ronstadt). Mais celui qui déboule sur les écrans français en février est sûrement le plus attendu : One Love retrace la vie de Bob Marley, un des deux seuls artistes – avec Michael Jackson – à la réputation planétaire.

Prophète en son pays avant de devenir une icône mondiale, auteur de chansons inscrites au patrimoine mondial de la pop, Bob Marley revit 1 h 47 durant, sous les traits de Kingsley Ben-Adir ; un acteur anglais vu dans Peaky Blinders et dans Barbie – bon, il y était juste « basketball Ken ». Des extensions « dreadlockées », un accent très réaliste et une gestuelle fidèle à celle du héros qu’il incarne : Kingsley est un des points forts du film, qu’il porte sur ses épaules avec panache.

Crédits : Paramount

Le reste du casting ? On sera plus nuancé sur James Norton en Chris Blackwell, qui n’a aucune scène forte et se contente de traverser le film en White savior quasi muet, à l’image de Mark Sherman en Jimmy Iovine – le boss d’Interscope Records, dans le biopic de 2015 : N.W.A.: Straight Outta Compton.

Honorable biopic

La structure du film est linéaire, démarrant avec le concert Smile Jamaica de 1976, pour s’achever sur le One Love Peace Concert de 1978, entrecoupé de multiples flash-back sur la jeunesse de Bob, ses premiers enregistrements chez Studio One avec Sir Coxsone, sa découverte du rastafarisme…

Le reste de l’article d’Olivier Cachin est à découvrir dans le dernier Numéro de Zeweed, disponible en digital via ce lien.
Pour trouver le kiosque le plus proche de chez vous, c’est ici.

 

Quand Gainsbourg chantait la Ganja

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Il y a 30 ans, Serge Gainsbourg nous quittait. Si l’homme à tête de choux n’était qu’un fumeur de Gitanes, il n’aura jamais été insensible aux charmes du cannabis. Un penchant pour la ganja-culture qui nous offrira le révolutionnaire Aux Armes et caetera ainsi que Cannabis, film dans lequel il donne la réplique à Jane Birkin et compose une sublime bande-originale écrite avec un certain Jean Claude Vannier.

Un an après leur rencontre sur le tournage de Slogan (1969) le couple naissant Gainsbourg/Birkin partage de nouveau l’affiche dans une romance policière réalisée par Pierre Koralnik, que Serge retrouve trois ans après leur collaboration sur le téléfilm Anna (1967).
Si le scénario comme le jeu d’acteur n’ont rien de stupéfiant dans cette production que même la splendide et systématiquement dévêtue Jane Birkin ne parvient à sauver, la musique originale signée Gainsbourg/Vannier vaut très largement de subir ce polar de série B.

Gainsbourg, Birkin, cannabis,

Après avoir composé la B.O. de  Mann 70 (1968), écrit le célèbre “Requiem Pour Un Con” pour Le Pacha (1968),  “L’Herbe Tendre”, entendu dans Ce Sacré Grand-Père (1968), et le titre”L’Alouette” pour La Horse (1970), Gainsbourg signe avec Cannabis(1970) une de ses meilleures musiques de film.
Mi-rock mi-planante, la B.O.  made in Gainsbarre donnera toutes ses lettres de noblesse à ce qui est sans doute le meilleur long-métrage de Pierre Koralnik. (Les deux autre films notables du réalisateur seront Nestor Burma et l’Instit’…).

Cannabis, c’est aussi la première collaboration de Serge Gainsbourg avec Jean-Claude Vannier, génial arrangeur-compositeur avec qui il écrira deux ans plus tard un chef d’oeuvre: “L’Histoire de Mélodie Nelson“.

Parmi les meilleurs titres joués dans le film, l’éponyme “Cannabis”  que l’on retrouvera en intro et outro (en version instrumentale pour le générique de fin).
Très rock, prologue à la texture électrique de l’album “Rock around the Bunker“, “Cannabis” donne d’emblée le ton de ce polar noir interdit aux moins de 18 ans “La mort a pour moi le visage d’une enfant/Quand soudain, je perds la raison / Est-ce un maléfice? / Ou l’effet subtil du cannabis?”.
Le très inspiré “I want to feel crazy” (chanté par Jane Birkin façon Maryline Monroe) est un délicieux prélude aux sublimes arrangement que Jean Claude Vanier nous offrira sur l’Histoire de Melody Nelson.

Serge Gainsbourg, Cannabis, Jane Birkin, Cinéma,
Chanvre Indien” tient ses promesses en nous transportant dans un planante ambiance orientale aux parfums de haschisch alors que le titre “Dernière blessure” nous rappelle autant les violons Initial BB qu’il annonce les enivrants arrangements de La Valse de Melody.
Boudé par les critiques et le publique à sa sortie, Cannabis jouit aujourd’hui d’un statut de cult-movie chez les grands Gainsbourg-aficionados.
Puisse cet article élargir le cercle des fans de Cannabis, le film.

la Bande-Originale intégrale de Cannabis avec tous les titres dont nous vous parlions, c’est ici:

Cinéma, remixs et élégance: La recette du Bonheur de Wax Tailor

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Michael Caine, John Barry et Wax Tailor sont dans une vidéo. Ici, personne ne tombe à l’eau, bien au contraire. Dans ce court format documentaire, lancé par la chaîne Ciné +, d’éminents artisans du son parlent de leurs morceaux cultes. Ceux qui ont forgé leur esthétique comme un feu sacré, attisant leur passion.

Dans cet épisode, le DJ Normand Wax Tailor (A.K.A. Jean-Christophe Le Saoût) nous explique comment la B.O. du film de Michael Caine “Ipcress, danger immédiat” composée par John Barry a changé sa vie.
Rencontre au sommet du son entre Jazz, Trip-hop et électro.

Grand passionné de Cinéma, Wax Tailor a toujours puisé dans les classiques, qu’il s’agisse de Kubrick, Chaplin ou Minelli.
Il a cultivé un univers sonore très riche, ce qui explique ses collaborations avec Ghostface Killah du Wu Tang Clan (qui sont d’énormes fans de films asiatiques) et Lee Fields, le parrain de la scène retro soul (l’héritier spirituel de James Brown).
Cette ouverture d’esprit lui vient entre autres de l’influence de l’utilisation très organique, par John Barry, de la bande originale pour habiller ce film qu’il décrit comme un “Anti-James Bond” dont il admire la densité du son et les digressions.
Rien d’étonnant, puisque le maestro, qu’il compare au génial Miles Davis, est avant tout un grand amateur de Jazz.
Une musique qui vit par sa spontanéité et qui se prête à toutes les libertés, tant qu’elles sont mélodiques.
Cette partition insolite est sortie en 1965, l’année qui suit celle du mythique Goldfinger. Un pari risqué puisque le réalisateur Sidney J. Furie “filme le banal comme ne l’étant pas” dans ce film d’espionnage novateur, ou comment faire la thèse et l’antithèse à un an d’écart.
Un génie qui a valu au compositeur 5 Oscars, 10 Nominations aux Golden Globes et le titre de Chevalier des Arts en Angleterre.

Le lien entre ces deux musiciens ? Une volonté de toujours innover, de chercher quelque chose de nouveau, pour ne jamais se répéter, qui l’a poussé à ne “presque jamais” utiliser de boucles, au bénéfice de textures, d’ambiances et d’émotions.

Décidément marqué par l’exercice de ce grand-père spirituel, il a, lui aussi, tenté l’exercice de la bande originale et enregistré en 2008 le titre Seize the day pour la bande originale du film Paris par Cédric Klapisch.

Quelque part entre nostalgie et progrès, le DJ est décidément délicieusement anachronique, puisqu’il a lancé le premier vinyle connecté au monde grâce à une puce NFC.
Un format vintage propulsé à l’avant-garde grâce à la créativité d’un DJ ?
C’est aussi ça, la magie de Wax Tailor.
Un homme qui a trouvé le secret de la pierre philosophale pour changer le bruit en Or.

Son nouvel album The Shadow Of Their Suns est disponible dans les bacs et nous vous le recommandons très fortement !

Vous pouvez l’acheter ici

Kevin Smith: Dettes, mensonges et vidéos

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Comment Kevin Smith, un geek du New Jersey, est-il devenu une icône du cinéma de genre ? Grâce à pas mal d’herbe, un peu de bluff et une relation quasi-symbiotique avec sa fan base. En passant du statut de réalisateur paumé à celui de Star indé, pour arriver à celui de magnat de la Pop culture (sans jamais lâcher son joint), Kevin Smith a changé le monde, une collaboration à la fois. Un monde plus fun, plus polémique et bien entendu plus Nerd, c’est ce que propose l’irrévérencieux trublion depuis près de 30 ans.
Portrait d’un artiste unique qui a sérieusement bousculé les conventions mainstream d’Hollywood.

Cinéma, endettement et Sundance

Kevin Smith naît dans une ville perdue du New Jersey, en 1970. Il grandit avec une passion du hockey et des comics, qu’il achète toutes les semaines avec son argent de poche.
À l’instar de Wes Anderson qui avait dépensé toute sa bourse étudiante pour tourner son premier film “Bottle Rocket” (ce qui lui valut de se faire virer de son son école de cinéma), Kevin Smith a commencé sa carrière envers et contre tous. Son premier film “Clerks” ne s’est fait que grâce à une lourde dette qu’il a accumulée à travers six cartes de crédits poussées aux limites de leurs découverts.
Comme il l’a déclaré dans l’un de ses trois podcasts hebdomadaires “j’ai atterri à Sundance en 1994 pour vendre mon film en jouant le tout pour le tout”.

Un pari risqué, qui lui a permis de se faire connaître à Hollywood, grâce à un film aux dialogues acérés, tourné en noir et blanc et basé sur sa propre lassitude du monde du travail.
Kevin est le scénariste, le réalisateur et un des acteurs du film. Il joue le muet, en duo avec son meilleur ami, le très volubile Jay.
Jay et Silent Bob sont devenus des références pour tous les stoners, deux dealers exubérants, grossiers et attachants, présents dans 5 films et dans une variété de caméos en dépit d’origines plus qu’accidentelles : “J’ai pris le rôle de Silent Bob uniquement parce que je n’arrivais pas à me souvenir du texte”.
Le film lui a ouvert les portes d’Hollywood et l’aura propulsé sur le devant d’une scène pas toujours bienveillante.

Self care et weed

Si le réalisateur a dépassé ses propres limites, c’est grâce à des rencontres, comme il le narre dans son autobiographie : “[il] a longtemps été une grosse feignasse”.
Quand il fait la connaissance de Jennifer Schwalbach Smith, sa femme depuis 1999, il est au bord de la dépression et du diabète.
Grâce à elle, il va retrouver la santé (devenant vegan au passage), un rythme de travail plus équilibré et une ganja de qualité.

L’origine de son état ? Hollywood, qui l’a sucé jusqu’à la moelle. Après avoir été menacé par Harvey Weinstein, pour qui il a refusé de travailler et avoir été viré de son projet pour un nouveau Superman avec Nicolas Cage, il a senti les limites de la notoriété et s’est recentré sur les projets qui le passionnaient… Dont le lancement d’une marque de cannabis, pour partager les meilleures variétés qu’il a découvertes dans sa quête pour une meilleure fumette.

C’est cette passion pour la weed qui l’a, de nombreuses fois, aidé à garder sa bonhomie légendaire. Dans cet esprit, il a même manifesté avec des fondamentalistes chrétiens contre son propre film, le génial Dogma sorti en 1999. À l’occasion, il a même répondu à des journalistes pour une hilarante interview. Quand on lui reparle de cette anecdote, il répond simplement qu’il était très high à ce moment là, qu’il trouvait ça drôle et qu’après tout, fondamentalistes chrétiens ou pas, il s’agissait de “gens de sa ville” ce qui les rendait attachants à ses yeux.

Restauration et NFT

Cette candeur teintée de générosité est au centre de son travail. Quand il n’est pas en train de militer pour un plus grand respect des femmes dans le monde de la BD, il lance un pop up restaurant basé sur la franchise fictionnelle Mooby, qu’on retrouve dans tous ses films depuis “Clerks 2”, afin de réconforter sa fan base en ces temps de pandémie. Les restaurants sont des sortes de “Hard Rock Cafe pour stoners”, grâce à un grand nombre de clins d’oeils, d’accessoires venus de tournages et même un soda très décontractant au CBD.
Rien d’étonnant, puisque sa propre marque de cannabis est aussi dédiée aux fans, proposant des comics aux effigies de Jay et de Silent Bob pour chaque achat d’un joint pré-roulé.
Il a d’ailleurs monté sa propre boutique de Comics, nommée “Jay and Silent Bob’s Secret Stash” dans le New Jersey.

Son dernier projet ? Vendre son prochain film d’horreur sous le format NFT, afin de rendre le pouvoir volé par les studios aux fans.
L’artiste n’est plus très fan des majors depuis le tournage de Cop Out en 2010, pour lequel il a eu à gérer la mauvaise humeur chronique de Bruce Willis prêt à tout saboter. Un cauchemar sous-payé qu’il souhaite ne jamais reproduire, même si on lui propose le poids de Snoop en Cannabis.

Le Fantastic Mr Murray

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Incarnation sublime du décalé décalqué, toujours au centre de l’action mais toujours à côté de la plaque,  Bill Murray a imposé en quarante ans de carrière un délicieux profil d’agité débonnaire, élevant au rang d’art la notion de coolitude bien frappée. Portrait d’un acteur qui, de son arrestation pour trafique d’herbe à la fausse annonce de sa mort, est resté fidèle à sa devise : It doesn’t matter”.

Ganja Buster
Ce sera à l’aéroport Chicago O’Hare, flanqué de deux énormes valises en métal et de cinq kilos d’herbe que le facétieux Bill Murray rencontrera son premier public.
Le jeune homme s’apprête à rallier Denver pour y entamer des études de médecine. Les temps étant un peu durs et la consommation de ganja dans l’air du temps, Bill se dit que ce serait  un bon coup d’allier détente et revente de weed sur le campus de son université. C’est donc avec 10 livres de sinsemilla mexicaine que le comique  se présente à l’enregistrement en ce 21 septembre 1970. Précisément le jour de son 20e anniversaire.

Je transporte deux bombes“: pas un bonne idée de blague quand on essaie de faire passer 5 kilos d’herbe à l’aéroport

Est-ce un état un peu fébrile, les réminiscences des volutes consommées la veille ou un sens très pointu du comique de situation?
Toujours est-il que dans la file d’attente, lorsqu’un voyageur lui demande, dans un souci de conversation légère ce qu’il peut transporter dans de si lourdes valises,  Murray lui glisse, complice:  “deux bombes”.
La bouffonerie, définitivement très Bill Murray, ne fera pas rire le bouffonné qui ira avertir les autorités aéroportuaires. Le bouffon, lui, voyant la farce tourner court quitte presto la file d’attente pour se précipiter vers les consignes où il tentera frénétiquement et en vain, de faire rentrer ses deux malles dans un casier trop petit. Il est arrêté, les valises sont ouvertes, et l’aspirant interne se retrouve derrière les barreaux.  “Mais pas sans que j’ai eu le temps d’avaler le chèque d’un de mes clients” (de l’avantage des munchies?) “Ce type me doit aujourd’hui sa carrière et sa réputation” s’en amusera-t-il ensuite. N’ayant aucun antécédent judiciaire,  il n’écopera miraculeusement que de cinq ans de mise à l’épreuve. Ses études de médecine, elles, sont mortes. Bill Murray se retourne alors vers un vieil ami qui lui propose une collocation à New York: John Bellucci.

John Bellucci

De Hunter S. Thompson à Wes Anderson.

La rencontre avec le talentueux et stupéfiant John Belushi lui ouvre, à coup de grands hasards, les portes du petit écran. Sa première apparition en tant que comédien sera dans le  “Saturday Night Live “ (NBC), émission culte outre-Atlantique. Le succès est immédiat.  Le public ne se lassant pas des apparitions de ce clown  lunaire, désabusé, toujours à deux doigts du dérapage mezzo-controlé. Sa carrière est lancée.

Son premier succès au cinéma sera Caddyshack, en 1980 dans lequel il campe un employé de club de golf, tout à fait initié aux subtilités de l’herbe magique. Il y livre d’ailleurs une analyse de  vrai connaisseur « Il s’agit d’un hybride de bluegrass du Kentucky et  de sensemilia du nord de la Californie. Ce qui est étonnant, c’est que vous pouvez jouer 36 trous en fumant tout l’après-midi, puis, en rentrant à la maison le soir, vous défoncer encore plus, du genre au-dessus et en dessous de la ceinture”.C’est noté, Bill.

Fidèle à ses convictions comme à ses mentors et finalement peu versé dans les rôles de composition, Murray incarnera en 81 ( bien avant Johnny Depp) un Hunter S. Thompson aussi barré que nature dans “Where The Buffalo Roam”. Dans le très bon “Broken Flowers” de  Jim Jarmush en 2005, lors d’une scène où il partage un gros joint avec son voisin,  on l’entend deviser entre deux tafs et dans une voix en apnée   “Ça… ça oui, c’est juste de la très bonne Sativa”. Ce laconisme cash, son trademark.

“Stoner of the year” en 2005

Dans La Vie Aquatique de Wes Anderson en 2005, il campe un ersatz de commandant Cousteau ne cachant pas son amour immodéré pour la weed. (amour immortalisé dans  la mythique scène du joint partagé avec Owen Wilson, son fils, sur un fond de “Life on Mars “de Bowie).
Autant de choix de rôles de smoker de ganja sympa et easy-going qui lui vaudront  le très convoité titre  de… “Stoner of the year 2005” lors des  Stony Award organisés par le hautement respecté High Times magazine. (Le précédent lauréat était Snoop, le suivant sera Seth Rogen… La barre du bong était haut placée).

Puis Zombieland en 2009 : Il y jouera son propre rôle avec un tantinet de fiction (il se retrouve reclus dans sa maison de Beverly Hills à la suite d’une invasion de zombies). Un caméo d’un quart d’heure tournant autour d’un magistral bong-chicha de skunk partagé avec Woody Harrelson et Emma Stone, et les jeux de stoner goofy découlant de ladite inhalation cannabique. En l’occurrence une tentative de remake assez fumeuse d’une scène de Ghostbuster.

” Vie et leçons d’un homme mythique”

C’est en 2018 que  l’art imitera la nature (de Bill Murray) avec l’improbable documentaire de Tommy Avalone “The Bill Murray Stories : Life and lessons learned from a mythical man.”

Le pitch: depuis quelques années trainent de nombreuses légendes urbaines au sujet de Bill Murray.
L’acteur-performer se serait par exemple pointé à l’improviste dans une fête d’une cinquantaine d’étudiants à Austin qu’il ne connaissait absolument pas. Pour y faire un peu la bringue tout d’abord, puis pour jouer avec le groupe local après avoir fait le roadie en portant amplis et drum-kits. Puis, plus tard dans la nuit pour convaincre la police venue pour tapage, de les laisser faire. Avec succès. Les trois policiers dépêchés sur place esquisseront même quelques pas de danse… le double effet Murray.

Bill Murray, le happening permanent

Dans la même ville, il aurait été spotté dans un pub où il n’avait jamais mis les pieds, et aurait fini par faire le barman. Pour donner un coup de main au vrai barman . Le (vrai) barman lui  aurait annoncé qu’il devait  s’éclipser pour s’occuper de son chien malade. Et qu’il fallait donc qu’il ferme le pub un moment. Bill, pas de chien, aurait pris la relève derrière le zinc avec le sourire.

On l’aurait aussi vu s’incruster dans la cabine déjà réservée d’un karaoké à Charlottesville (oui, un peu comme dans Lost in Translation) pour le plus grand bonheur des quatre chanteurs en herbe présents.
Dans l’état de New York, on  l’aurait aussi vu débarquer dans la maison d’un couple qu’il connait à peine, mais dont il avait appris que c’était l’anniversaire de mariage. Pour les aider à préparer le diner, le partager avec eux puis faire la vaisselle à la fin.
Évidemment, tout est absolument vrai, démontrera Avalone dans le documentaire.

La Vie Cannabique

Au sujet du cannabis (et de sa légalisation, pour laquelle il milite activement), l’acteur estime “(qu’il) trouve tout  de même très ironique que la chose la plus dangereuse au sujet de la weed, soit de se faire arrêter en  sa possession”.

Plus direct et politique, il a affirmé que “la marijuana est la cause d’une grande partie des incarcérations, pour le seul crime d’auto-médication. Et cela coûte des millions et milliards de dollars d’emprisonner des personnes pour ce crime contre elles-mêmes. Les gens réalisent que cette guerre contre la drogue est un échec (…) ne créant qu’une armée de personnes (de l’administration pénitentiaire NDLR)  et d’incarcérés.”

Ou plus récemment “le fait que les états passent des lois en faveur de l’herbe prouve bien que le danger supposé du cannabis a été nettement surévalué. Les psychologues recommandent de fumer plutôt que de boire si on a besoin de se détendre” “Personnellement, je joue la carte de la sécurité. Je fais les deux. Je ne plaisante pas avec ça: c’est une question de rigueur”.
Amen.

 

KENTARO : rencontre avec la relève du cinéma nippon.

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KENTARO est un réalisateur ambitieux, dont le premier long métrage, Under the Turquoise Sky, est une réussite savoureuse, savant mélange entre fable occidentale et épopée moyenâgeuse. ZEWEED l’a rencontré.

ZEWEED : C’est un premier film incroyablement maîtrisé. Quel message et valeurs prévalent dans votre oeuvre?
KENTARO : Aujourd’hui, les valeurs de l’ existence sont souvent déterminées par ce que tu as, ton entourage, ta popularité, la qualité des choses matérielles que tu possèdes et ce quelles représentent, les symboles qu’elles véhiculent dans notre société. La pensée dominante, c’est un peu ça. Mais quand tu commences à voir les choses en termes de contribution, les lignes bougent. Que ce soit une contribution culturelle, médicale, financière ou éducative. Dans mon film, j’ai exploré l’idée de retour à des valeurs fondamentales. Sans réelle volonté politique, il y a un message clairement anti-matérialiste, contre la consommation à l’extrême que l’on observe dans les grandes villes. Quand je suis parti en Mongolie, j’ai vu des hommes d’affaires en excursion dans la campagne s’effondrer devant la beauté de ces paysages. Moi qui suis citadin, j’étais en constant choc culturel devant ces vastes steppes et ces coutumes shamans qui n’existent pas dans d’autres pays d’Asie de l’est.

ZW : Under the turquoise sky reste un film d’auteur…
K : Évidemment, ça reste un film avec quelques références cinéphiles. Mais je pense que la particularité de ce film, c’est qu’il s’agit d’un film d’auteur avec des acteurs très connus dans leur pays. C’est une sorte de road movie poétique. Dans mon film, je rends aussi un petit hommage au cinéaste Antonioni, qui avait un œil d’architecte citadin dans ses films. C’est loin d’être un film commercial, mais il me semblait important de prendre le risque de faire un format auteur.

ZW : Comment définiriez vous le cinéma ?
K : Le cinéma, selon moi, ce sont des scènes qui restent parfois longtemps après avoir vu un film. Ce n’est pas tant l’histoire, que des scènes marquantes : le regard d’une actrice, un moment de poésie, des acteurs qui deviennent des coups de pinceaux sur un tableaux. Toutes ces questions trottaient dans ma tête depuis longtemps, et je crois que j’ai inconsciemment cherché à y répondre pendant l’écriture et le montage.

ZW : Qu’est ce qui a inspiré l’écriture de votre film?
K : Under the turquoise sky est un film qui joue avec les codes du récit initiatique tout en explorant la recherche de filiation.
Après trois ans de pandémie, on est dans une époque qui fait, pour moi, écho à la Grande dépression à la fin des années 1920, qui a donné naissance à la popularité de Charlie Chaplin, Harold Lloyd, ou de Buster Keaton. Aujourd’hui, le cinéma traite plutôt les problèmes sociaux et l’identité sexuelle. Mais je crois qu’on arrive dans une époque où on a plus envie de regarder ce genre de thème en face car on les voit en vrai tous les jours. J’avais aussi pensé à la comédie musicale, parce qu’en ce moment on est comme dans une période d’après-guerre.

ZW : Dans quel mesure le film s’est t-il librement improvisé ?
K : Le scénario était déjà écrit avant le tournage. En revanche, je ne voulais pas que les dialogues, par des personnes qui ne parlaient pas la même langue, soient mémorisés par cœur à l’avance. Car souvent c’est tellement plus vrai de créer les dialogues sur place.

ZW : Vous vous êtes depuis toujours destiné au métier de cinéaste?
K : J’ai fait des études d’art, je voulais être peintre, photographe. Et puis, quand j’étais jeune, j’ai eu l’opportunité de faire des castings. Je me suis vite rendu compte que la comédie était un exercice difficile. Je suis entré par la porte d’acteur, entre Paris et New-York. Quand j’ai commencé à travailler, j’ai pleinement pris conscience de la difficulté de devenir bon acteur. C’est un métier très difficile. Puis c’est aussi un métier très noble. Quand j’étais plus jeune, j’étais sûr de vouloir suivre un chemin créatif, sans savoir que cela pourrait se transformer en une véritable carrière. Pour moi, les opportunités que nous avons tous dans la vie relèvent davantage du destin.

ZW : Un message à transmettre aux aspirants cinéastes ?
K : Pour ce film, c’était surtout une question d’un très bon timing. On a trouvé un premier financement par le private equity. A cela s’ajoute la popularité d’acteurs nationaux confirmés, jouissant d’un grand niveau de notoriété. Le projet était complètement art house, ce qui n’existait pas avant en Mongolie, donc pas facile d’élever des fonds. Je n’ai pas de formation d’école de cinéma, mais j’ai fait des clips, des courts métrages, des petits documentaires, et à travers ces projets j’ai pu expérimenter plusieurs techniques car j’avais souvent carte blanche. Je pense, malgré tout, que le processus de la création doit être universel, et je ne pense pas qu’il soit forcément nécessaire de faire une école de cinéma pour devenir réalisateur. On peut commencer par apprendre pas mal de choses en visionnant de bons films des grands maîtres. Quand j’ai fait ce film, j’avais déjà une idée de ce qui allait être drôle, de ce qui allait être touchant, de ce qui allait être beau. Universellement.

ZW : Parlons des acteurs. Ils sont particulièrement incroyables et contribuent à la magie du film.
K : Je trouve que le bon choix des comédiens est quelque chose de très important. J’ai énormément de chance d’avoir trouvé de très grands acteurs en Mongolie. Amra, la plus grande star de Mongolie, a même commencé une carrière à Hollywood. Selon moi, un bon jeu d’acteur touche les gens au niveau viscéral.
Ça me fait aussi penser à la mise en scène des animaux dans le film. C’est difficile de les diriger, car cela revient à apprivoiser l’instinct pur. Par exemple, un cheval à moitié sauvage comme ceux en Mongolie, n’est pas un véhicule. On ne peut pas le monter comme ça. Il faut établir une connexion avec l’animal avant de le monter. Et on ne peut pas bien filmer un animal sans prendre en compte ces facteurs-là. Amra, par exemple, était un bon mélange entre l’intellectuel et l’animal. Pour Yuya, la répartition de ces mélanges était différente. Le but était d’essayer de capter l’animal dans l’humain.

Photos et propos recueillis par F.Doyen

Festival de Cannes : Rosé, champagne et rhum au CBD

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Alors que le 76ème festival de Cannes bat son plein, retour sur l’édition 2021 qui a vu débarquer pour la première fois dans les soirées et cocktails une molécule au moins aussi célèbre que les stars qui grimpent les marches du Palais des festivals : le CBD.

Après un départ hésitant, ce millésime 2021 du festival de Canne s’achève en beauté avec quelques très belles fêtes,  pour une 74ème édition organisée en juillet plutôt qu’en mai, pour cause de pandémie. A l’heure de la montée des marches du Palais des Festivals, le mélange entre festivaliers et vacanciers n’aura pas manqué de surprendre, avec de cinglants contrastes du genre tongs contre escarpins ou pantacourt versus robe longue.

Et toujours des rencontres improbables avec des gens de tous horizons, beaucoup d’entre eux n’ayant qu’un rapport très lointain avec l’industrie du cinéma. C’est peut-être cela aussi qui contribue à rendre les fêtes de Cannes si uniques.

..ce qui se passe à Cannes reste à Cannes.

Et que boit-on à Cannes pendant le festival ? En plein été, avec des température moyenne de 28 degrés, le rosé est partout, à la plage l’après-midi, à l’heure du cocktail et jusqu’à tard dans la nuit dans les villas où ont lieu les plus belles fêtes.

Au sec sur sa serviette et d’humeur à rosé.

Le champagne est toujours là aussi, la boisson glamour qui accompagne les soirées des marques de mode, les défilés de maillots de bain au bord des piscines jusqu’aux soirées ultra VIP à la terrasse d’Albane.

Ensuite la vodka, omniprésente dans les soirées de lancement de films, que ce soit à la terrasse d’un hôtel, sur une plage privée ou dans une villa. C’est l’occasion pour beaucoup de nouvelles marques de spiritueux de se lancer.

C’est le cas du prince Jean-Barthélémy Bokassa, petit-fils de l’ex empereur Jean Bedel Bokassa, qui  en a profité pour lancer sa vodka, avec un trône en arrière-plan, preuve que le ridicule ne tue décidément pas.

Comme un goût du trône.

Voilà pour les classiques, mais cette année il y a une nouveauté : le rhum arrangé au CBD de Dr Drink !
Un rhum de Martinique aux nuances boisées, dominé par des notes de vanille et laissant place au goût du chanvre: la saveur est unique. Ce dernier  est vendu au bar Chupitos à Cannes mais aussi dans les boutiques Dr Smoke.

Une chose est claire, nous allons entendre parler de Mr Drink, une très bonne alternative à la vodka.

Après la fête il s’agit de récupérer et pour cela rien de mieux qu’une boisson sans alcool au CBD comme une limonade ou un ice tea, avant d’enchaîner avec une Biscanna, bière artisanale au chanvre fabriquée au Pilat. Toutes ces boissons sont disponibles au Flower Power à Cannes dans la boutique située près de l’Hôtel de Ville ou sur leur site.

Le temps de récupérer de cette semaine intense, je vous donne rendez-vous samedi prochain pour de nouvelles aventures gustatives.

De Reefer Madness à The Big Lebowski, 5 classiques du ganja-cinéma

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Qu’elle fasse rire, qu’elle fasse peur, qu’elle vous rende riche ou vous envoie à l’ombre, l’herbe, de sa consommation à son business, est un parfait terreau à scénarios.
Zeweed a passé en revue quelques incontournables «stoner-movies»: de Reefer Madness, Easy Rider à The Big Lebowski.

-Reefer Madness (1936).
Peur sur la weed.
Trois ans après la levée de la prohibition sur l’alcool, l’Amérique pudibonde se trouve avec la marijuana, une nouvelle tête de Turc. Commandé en 1936 par une communauté religieuse chrétienne, le film se vouait à être éducatif et projeté dans les écoles.  Mettant en scène des étudiants s’adonnant au vice vert, le moyen métrage est une violente charge contre la consommation de cannabis, objet de tous les maux d’une Amérique bien pensante des années 30 et 40 (chasse aux sorcières fumantes  illustrée dans le très bon LA confidential). L’absurdité des situations comme du message, le tout  interprété par des acteurs qui n’avaient visiblement jamais fumé, fit de Reefer Madness un midnight movie culte.

Musique Cab Calloway : The Reefer Man
Weed : Grandaddy Purple

-Easy Rider. (1968)
Épique-hippie road movie.
Easy-Rider, prix de la première œuvre au Festival de Cannes 1969 réunit à l’écran Peter Fonda, Jack Nicholson et Dennis Hopper (qui réalisa le chef-d’œuvre). Le trio des belles gueules bad boys de  Laurel Canyon offre une incroyable et inédite performance,  entre coolitude absolue, scandale assumé et cynisme amuséL’histoire débute autour de deux bikers, un sexy, un dude (Fonda et Hopper), qui après un très bon deal prennent l’oseille et se cassent, pour traverser les États-Unis à bécane. Ils embarqueront ensuite avec eux Nicholson, rencontré chemin faisant. Quelques scènes légendaires dont celle du (vrai) joint fumé autour d’un feu de camp, ou de la (vraie) psilocybine consommée pendant une scène dans un cimetière s’en suivent, jusqu’à ce que ces Freaks Brothers en Harley voient  leur rêve américain stoppé net par deux pèquenauds, à coups de fusil. 

Musique :The Fraternity of man : Don’t Bogart Me
Weed :Biker Kush 

-Up in smoke (1978)
Faut trouver le scénar’
Le premier et plus célèbre des stoner movies de Cheech et ChongQuand le film sort en 1978, Cheech et Chong sont déjà connus aux États-Unis en tant qu’humoristes. Leurs sketches tournent tous autour de la fumette, chacun campant un personnage récurent (le hippie à l’arrêt, le mexicain parano…) dans des mises en scènes cocasses.
Réalisé par Lou Adler (le producteur du groupe The Mama’s and Papa’s ) pour une poignée de dollars, le film remporte contre toute attente, un franc succès, générant un bénéfice de 44 millions de dollars pour 2 millions de billets verts à l’effigie de Georges Washington  investis. Sévèrement rentable.
Le concept du premier opus devient franchise, une série de films du même acabit suivront, tous bien accueillis par les fans de ce nouveau genre. Cheech and Chong’s Next Movie, Still Smokin Nice Dreams Things Are Tough All Over American chicano …

Musique: Dr Hook : I got Stoned and I missed it
Weed: Laughing Buddha

-Half Baked(1998)
Stoners de haut vol.
Dave Chappelle,  tout comme Cheech et Chong,  a commencé sa carrière en tant que stand-up comedian. Le pitch: quatre dudes New-Yorkais sont réunis par une même passion : fumer et fumer un peu plus encore, puis aller pécho. Sans le sou, nos comparses se retrouvent soudainement obligés de réunir 100.000$ pour faire sortir leur ami de prison. Ce dernier s’étant retrouvé derrière les barreaux pour avoir tué un cheval avec un paquet de dragibus (l’accident classique). Pour payer la caution de leur ami,  il leur faudra voler de la weed, beaucoup de weed, pour la revendre. . Vol de beuh thérapeutique dans un hôpital pour la revendre, vol de beuh chez un dealer, vol de beuh dans un commissariat … la trame narrative, si elle ne s’envole pas aussi haut que nos amis foncedés, laisse place à quelques très bons gags et dialogues.  On s’amusera aussi des caméos de Willie Nelson ou  Snoop Dog.

Musique: Run DMC : You be illin’
Weed: Girl Scout Cookies

-The Big Lebowski (1998)
L’art du peignoir.
Les frères Cohen, au sommet de leur comique (un scripte implacable, une réalisation impeccable, des personnages devenus légendaires) avec ce sublime portrait du « Dude ». Un Dude, dont les expressions, comportements et codes vestimentaires sont inspirés d’ un certain Jeff Dowd, connaissance des réalisateurs. (Le vrai dude, toujours en vie, continue de couler des jours heureux à Los Angeles.) Si la ganja n’est pas au centre de l’histoire, le film entier, lui, est une ode à la stonitude californienne. La scène de la fête sur la plage de Malibu comme celle du trip de Jeff Bridges qui s’ensuit méritent une attention particulière. Tout comme celles de John « Jesus » Turturro au bowling.
Au casting ;  Philippe Seymour Hoffman en majordome ultra-coincé et hilarant, Steve Buscemi en troisième sidekick déprimant et dépressif, Julian Moore en héritière arty-féministe et Flea, (le bassiste des Red Hot Chili Peppers) en nihiliste allemand.. Un total régal.
Le tout sur une B.O remarquable où les classiques « The man in me » de Bob Dylan, I just dropped in (to see what condition my condition was in) de Kenny Rogers ou encore les reprises d’  « Hotel California » des Gipsy Kings ou du  « Dead Flowers » des Stones, par Town Van Zandt accompagnent majestueusement (c’est le mot) un des favoris de notre sélection..

Musique: Kenny Rogers dropped in (to see what condition my condition was in)
Weed: Royal Dwarf

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